Article dans FRAME Magazine pour le pop-up “Les Fleurs” de Jacquemus.
Lauréat pour le projet du pavillon Les Étincelles, pour la Palais de la Découverte. Ouverture en mai 2021.
Nouvelle exposition “Offrir des fleurs” au Pavillon de l’Arsenal, dans le cadre d’Agora du Design. Dès le printemps 2021.
Nouveau projet de dispositif scénographique et scénique pour la Compagnie Olivier Dubois. Dès Mai 2021, en tournée.
Après notre exposition autour du geste d’offrir des fleurs, la marque Jacquemus, accompagnée de l’agence yoann&marco, demande à l’atelier de scénographier et produire un pop-up éphémère “Les Fleurs”. En collaboration directe avec le producteur de renoncules Les Fleurs de Paul, cette action au cœur du 18e arrondissement de Paris, crée un moment de partage et d’échange. Entre fleuristerie et lieu de transformation, l’agencement prend place dans les vitrines comme des fragments colorés. Le dispositif maximise et utilise les objets de la livraison des fleurs : chariots, seaux, bâches et autres outils.
Du soleil éblouissant à l’éclipse totale ou partielle, la structure suspendue conçue par l’atelier pour Itmahrag répond aux danseurs et interprètes qui l’entourent. Le monolithe fait de néons, sous l’impulsion d’un moteur intégré, tourne et révèle un cercle plein noir. Les néons colorés sont flamboyants et rappellent autant la fête que le danger de cette dernière. Tantôt porteuse de symboles lumineux, évocatrice d’une rave psychédélique ou gyrophare alarmant, cette structure brute et technique devient poétique et sensible.
Dans le cadre du show télévisé, Eurovision — France diffusé sur France 2 le 30 janvier 2021, l’atelier a développé la scénographie de la prestation d’Ali - Paris me dit. Imaginé comme un dispositif évolutif, le rideau se déploie et révèle une architecture qui s’érige autour de l’interprète. La typologie de l’arche est utilisée à plusieurs échelles et crée un jeu de perspective sur scène.
Édito « design » pour Month Day Year sur le thème de « La Dernière Fête ». La fête, souvenir ou fantasme… ? Dans un contexte où faire la fête est synonyme de prohibition, qui reste-t-il pour célébrer la nuit ? Paf atelier imagine un espace en trois dimensions dans lequel il invite 25 designers à faire danser leurs objets. Les créations de design prennent vie sur le dancefloor, au bar, dans le vestiaire ou le fumoir et peuplent ces lieux où chacun fantasme de se retrouver. De l’espace d’exposition à la boîte de nuit il n’y a plus qu’un pas, le temps d’une dernière fête.
L’atelier a collaboré avec Togæther pour concevoir la nouvelle présentation autour de la thématique du Sport et l’entrée du Flagship Champs-Élysées. Le dispositif renverse l’implantation initiale en transformant les gradins en surface d’évolution sportive. Du “running” au football, en passant par le basketball, cette installation laisse voir le lien entre les différents sports. Le lieu est ouvert à toutes et tous à partir du 28 janvier 2021.
La Compagnie Sohrâb Chitan réinterprète le conte de la Belle au Bois Dormant. Poétique, maléfique, ce conte a traversé les époques et a trouvé de multiples représentations. Ce projet se développe comme une série de trois tableaux représentants les trois moments forts de la vie d’Aurore à travers ce ballet. Elle traverse des états de pensées, des rêveries, des extrêmes. La scénographie est un travail d’écran de rideaux découpés en arches, créant de nouvelles compositions différentes. En raison de la pandémie, cette production n’a pu être réalisé.
L’atelier s’interroge et détourne la fonction première de ce lieu désacraliser pour en créer un espace d’exposition et un lieu d’échange autour d’un sujet universel: la nativité. Le projet que nous proposons se porte sur un aménagement intérieur, colorimétrique et plastique « de chair et de sang » ne détériorant pas le bâtiment existant, tout en créant une expérience singulière. Le principe est simple, il se porte sur la création de plusieurs volumes. Un socle illustre chaque sous-partie de la thématique et est complété par un travail de signalétique en lumière néon.
Dans le cadre du lancement du sixième numéro de Pli - Minimal & maximal, l’atelier a conçu une scénographie dans l’espace galerie du Floréal Belleville à Paris. À l’intérieur comme à l’extérieur, l’espace scénographique de cette micro-galerie est traité comme un ensemble. Cette installation est à la mesure de la thématique, et de sa dualité. La vitrine s’utilise comme une surface de composition graphique et donne à la rue une expression complète de la thématique : maximale. À l’intérieur, l’utilisation des revues elles-mêmes comme support de présentation exprime l’idée d’un dispositif minimal, sans objets rapportés ou produits pour l’occasion.
Imaginé comme un laboratoire chromatique, aux formes organiques et généreuses, ce projet déploie en 2D et en 3D, à l’extérieur et à l’intérieur de la galerie, une expérience graphique et d’usages autour des objets du duo des designers du studio BehaghelFoiny. Lauréat du Pli Public Workshop, ils concrétisent leurs travaux expérimentaux en objets d’usages du quotidien : table, chaise, lampadaire, vases.
Alors que nous vivons une période délicate, le monde que nous connaissons change et nous essayons quand bien que mal de garder une relation à l’autre. Ce moment nous apprend qu’il n’est plus envisageable de penser individuellement notre rapport à la création de nouveaux objets, de nouveaux espaces et de nouveaux services. Il faut voir autrement, collectivement, au fait d’être ensemble et de partager des expériences/choses. Cette relation se réalise par le biais des réseaux sociaux et impacts notre rapport à la réalité. L’exposition prend place sur une plateforme de réseau social, lieu par excellence qui marque le rapprochement social. En tant que curateur et scénographe de cette exposition, nous souhaitons donner à voir un dialogue entre les objets protéi-formes présentés. Nous concevons cette plateforme comme un espace collectif de multiples contributions. Cette première version se nomme @familyguys.works — clin d’œil à la solidarité et aux rapprochements sociaux (malgré la distanciation sociale), à notre envie de rester souder, fort de cette période.
La scénographie de ce pop–up shop coréen cherche à questionner le processus de fabrication de l’objet. Le projet se lit au travers de trois matériaux d’origine industrielle exprimant trois instants de la création. Le sol est recouvert de graviers, les présentoirs sont réalisés en BA13 et l’enveloppe en papier bulle. La forme même des objets créés évoque l’avancement, un espace évolutif pour une exposition éphémère.
Couper, assembler, teinter et s’adapter à l’intérieur et à l’extérieur, voici les grands principes de ce projet de mobilier. En collaboration avec le designer Benjamin Decle, nous proposons un mobilier adaptable à différentes situations du quotidien. Les sections identiques laissent voir et comprendre un objet facile au montage et qui s’adapte à des environnements extérieurs et intérieurs. À travers l’exploration des différentes possibilités d’action à l’échelle de l’objet, l’effet sur l’environnement architecturale prend un sens nouveau.
Basile di Manski est un musicien et chanteur parisien. L’atelier a pensé pour lui un dispositif scénographique adaptable à ses prochaines performances. La base du dispositif est un écran imprimé adaptable à chaque salle de concert. Grâce à un jeu de découpes dans le tissu, un effet de fausse perspective structure la scène et invite au déplacement. Associé aux jeux de lumière et à un assemblage d’objets, ce dégradé de couleurs imprimées et projetées permet une véritable déclinaison d’ambiances colorimétriques, devenant tableaux à chaque différente chanson du set de l’artiste.
La scénographie sera produite pour les prochaines dates de Basile en 2020.
En tête de proue d’une équipe pluridisciplinaire (architectes, designers et designers graphiques), l’atelier a co-produit la première édition du Pli Public Workshop au Pavillon de l’Arsenal, Paris. Créé par l’association Pli Éditions en 2019, ce dernier est un programme d’aide à la création destiné à la nouvelle génération d’architectes et de designers.
Sur une durée de plusieurs mois, l’atelier a suivi la production des onze installations des lauréats du programme, tout en produisant l’exposition et en donnant vie à la scénographie pensée par Adrien Rovero Studio. En envisageant la muséographie comme outil de médiation, l’atelier s’attache à interroger les codes de monstration mis en place dans une exposition. Le PPW a été rendu possible grâce à une synthèse efficace et inédite de différents corps de métier, qui est emblématique du processus de travail instauré par l’atelier dans chacun de ses projets.
L’atelier a coproduit la première exposition du Pli Public Workshop, présentée de novembre 2019 à janvier 2020 au Pavillon de l’Arsenal à Paris. Destiné à la recherche et à la production d’un projet, ce programme d’aide à la création met en place un accompagnement par des professionnels du secteur de l’architecture, de l’art et du design.
Pendant plusieurs mois, l’atelier a accompagné la conception et la production des œuvres des lauréats, réunit dans une exposition collective afin de penser créer et expérimenter autour du thème de l’Obsession. Prototypes ou objets finis, vidéos ou maquettes, installations immersives ou micro-architectures, ces productions inédites cristallisent des manières de réfléchir et de faire, des processus de création et autant de positionnements qui interrogent de manière concrète l’architecture et le design. Ce projet témoigne de l’importance qu’accorde l’atelier à soutenir et encourager la jeune création contemporaine.
Yanis est un chanteur de la scène Queer parisienne. Après un premier album, il revient avec de nouvelles propositions artistiques et performatives que nous avons mises en scène. Conçu pour un show sur-mesure à l’espace Mains d’Œuvres (Saint-Ouen), cette scénographie se compose de plusieurs écrans imprimés, d’objets (escalier), plateformes et dispositifs sonores et lumineux. Ce show a permis de collaborer avec des éclairagistes, des techniciens du son, des danseurs, des performeurs. Produit à guichet fermé, ce projet collaboratif a donné lieu à une extension lors de la première de Hyphen Hyphen au Zénith – la Villette à Paris.
Aimko paris (creative agency) a commissionné l’atelier et Ubalt Architectes pour concevoir la présentation des nouvelles collections Adidas SS19 dans un lieu éphémère de 2 500 m². Les dispositifs proposés ont été réalisés à partir d’éléments issus du domaine de la construction, assemblés et détournés de leur usage premier. Ils deviennent assises, présentoirs, cloisons, supports divers. Le lieu a été ouvert par invitation aux professionnels acheteurs et influenceurs du milieu de la sneaker et du sportswear pendant deux semaines lors de la Paris Fashion Week 2018.
Le festival de musique We Love Green rend possible une expression a grande échelle par l’installation éphémère. Ce dispositif a été conçu comme une opportunité d’interagir avec les publics, de leur proposer un dialogue inédit avec l’objet. Transportables et adaptables à la plaine du festival, ces objets colorés sont franchissables : leurs propriétés matérielles (gonflables, translucides, etc.) n’en font pas des obstacles. L’idée est de créer un évènement au sein du festival par l’installation d’un village de formes, telles des folies in situ venant marquer une pause dans la déambulation des festivaliers. Ce projet est resté à l’état d’esquisse.
Pour la 4ème Biennale du Réseau des Maisons de l’Architecture, l’atelier a été invité à mener le commissariat général et le curating de l’exposition Pari ayant lieu au DOC ! à Paris. Jouant sur les codes et les diverses interprétations des engagements des designers et architectes, le propos s’est articulé autour de deux espaces : celui de l’ancienne piscine et celui de l’ancien réfectoire. Dans une scénographie imaginée par Peaks Architectes, l’atelier a introduit une co-présence d’objets importés et d’objets/installations spécialement montés pour l’occasion.
En réponse à l’appel du Frac Paca à concevoir des modules d’expositions itinérants, nous avons proposé une collection de mobiliers modulables et ajustables. Cette collection de mobilier fait face à une problématique de mobilité et d’adaptabilité aux œuvres exposées. À l’aide de plaques métalliques et de tablettes modulables, nous avons imaginé un système permettant d’adapter complètement la structure aux œuvres. Cette solution permet de recréer des salles, des murs et des plafonds pour accueillir et permettre différents systèmes de présentation et d’accrochage. Ce projet est resté à l’état d’esquisse.
Intégré directement dans l’équipe de production de la villa Noailles (Hyères), l’atelier a dessiné, produit et suivi le montage de l’exposition de la maison Schiaparelli (présidence du jury mode 2017). Dans la piscine de la villa, nous avons décidé de récréer, de jour comme de nuit, une activité aquatique. Nous avons présenté une collection historique de la maison de haute couture, avec une pièce centrale aérienne. Au cœur du 32e Festival International de Mode et de Photographie de Hyères, l’exposition a été vue par 11 000 visiteurs.
Intégré directement dans l’équipe de production de la villa Noailles (Hyères), l’atelier a produit et suivi le montage de l’exposition d’architecture “La Boîte de nuit”. Par la magie du dispositif technique, des milliers de points argentés courent sur les murs et le gazon : l’architecture de Robert Mallet-Stevens s’efface pour réaliser le principe même de la boîte de nuit : un lieu d’émancipation et d’exacerbation sensorielle qui efface toute référence au monde matériel. Cette exposition a accueilli plus de 5 000 visiteurs.
Organisée à l’occasion de la publication du quatrième numéro de la revue Pli, cette exposition a pris place dans la galerie du célèbre magazine Étapes:. Mettant de côté cette fois-ci le processus de création, l’exposition se tourne vers les objets premiers : les matières premières. L’atelier a présenté la genèse de la production de 10 artistes, architectes, designers et graphistes. Avec Atelier Irradié, la Bibliothèque Kandinsky, Fanette Mellier, Léo Grunstein et Camille Berger (Studio Philippe Apeloig), Les Graphiquants, matali crasset, Philippe Rahm, Pierre Antoine, Samy Rio et Spassky Fischer.
Co-signée par le Collectif Blanc et Pli Éditions, cette exposition a pris place dans un lieu atypique : un studio de danse contemporaine à Montréal. Cette production a réuni des artistes de Paris et de Montréal. En détournant et en requestionnant les principes d’exposition des œuvres graphiques et éditoriales, la scénographie résolument immersive a permis aux visiteurs un accès libre aux œuvres. En parallèle de la sortie de la revue Pli et d’une présentation au Centre Canadien d’Architecture de Montréal, l’événement sur quatre jours a été accompagné de performances (artistes, danseurs, etc.) et d’une librairie (Centre Canadien d’Architecture).
L’exposition s’engage à rendre tangible l’envers inaccessible de la production d’une édition. Sous Pli inspecte les coulisses de la production physique et conceptuelle; espace mitoyen d’erreurs et de réussites. Articulé en lettres (le temps) et en chiffre (les échanges), 120 compositions et discussions ont été présentés. À travers un plan extrudé de 3 mètres vers le haut, l’accumulation de papier suspendu produit une architecture pénétrable et accessible.
