L’atelier a le plaisir de vous annoncer que nous sommes les scénographes de la Collectible Fair 2023 qui aura lieu du 5 au 12 mars à Tour et Taxis à Bruxelles 🇧🇪
Fiers d’annoncer que l’atelier est “longlisted of the Dezeen Awards 2022 emerging interior design studio of the year” ✨
L’atelier signe la Tribune libre matériaux, Paf Atelier dans le nouvel Archistorm, intitulé “Avec le contexte” 🧠
À l’occasion de l’atelier international menée pendant huit jours au sein du Centre de Design de l’école de design de l’uqaum, avec les 19 étudiant.e.s, une exposition est née. Intitulée “Les langages du possible”, cette exposition est l’aboutissement de multiples discussions et d’un processus rigoureux sur le thème de l’espace public ayant comme contrainte l’utilisation de la corde et de vingt-huit gonflables fournis par l’atelier. L’exposition s’inscrit dans une démarche pluridisciplinaire alliant la réalisation d’esquisses, la création sténographique, le montage de l’installation et la signalétique. Le workshop a pris place dans le centre de design de l’UQAM et constitue une contribution de l’atelier par l’invitation de Christopher Dessus (fondateur de Paf atelier) et la participation d’Eloise Carrier (Principal Studio).
Située dans le bâtiment industriel Tour & Taxis, la scénographie de Collectible 2023 est un jeu entre répétitions et gravité qui amène l’atelier à créer un élément impactant qui n’interfère pas avec les œuvres des exposants. De par sa position à l’entrée de la foire, l’installation principale est à la fois un repère spatial et un toit sous lequel se rencontrer. Elle est le point de départ et d’arrivée de la foire. Composée de 24 structures gonflables et de plus de 350 mètres linéaires de corde, l’installation suspendue met en valeur la qualité de chacun des éléments qui la composent : la structure gonflable pour son rapport volume/poids (grande mais légère), la corde pour ses caractéristiques techniques et esthétiques afin de soutenir les structures gonflables. Ce plafond suspendu est la cristallisation du travail de Paf atelier pour lequel le choix des matériaux, des techniques de construction et de l’application des savoir-faire locaux s’inscrivent dans une démarche responsable, éthique et durable.
C’est dans un souhait de renouveau, que WSN a fait appel à l’atelier pour cette édition.
La scénographie s’inspire de la typologie de la tente, du chapiteau, dans l’évocation de l’architecture du spectacle : la bâche, la corde et la structure métallique. L’atelier crée une installation totale à partir d’un module de bande de bâche d’un mètre de large décliné et répété, tout en générant des zones de délimitations. L’idée s’inscrit dans une approche de la souplesse et de la modularité en opposition aux constructions de cimaises standardisées et rigides. Ces bâches sont imprimées, avec des variations de motifs générés par intelligence artificielle avec l’outil du logiciel AI. L’univers créé oscille entre surréalisme et interprétation onirique des codes de l’accessoire de mode. Il vient créer des fresques visuelles impactantes. L’atelier fait le choix de créer une colonne vertébrale avec un système lumineux composés de néons orientés et fixes.
En mai 2021, Paf atelier conçoit la scénographie de la scène du double défilé du créateur Louis Gabriel Nouchi et de la marque JOEONE. Ce show se déroule le 24 juin dans le cadre de la FWP. Située sur le parvis du Palais de Tokyo la scène éphémère prend place sur le grand bassin. Le run-way central mène à une plateforme rectangulaire polymiroir. Cette sobriété et minimalisme répond à l’élégance des vêtements présentés. La réflexion du matériau choisi dédouble les mannequins et offre une scénographie plus complexe qui place toujours le vêtement au centre de la composition. Enfin, perpétuellement en mouvement grâce aux miroirs, la scène se transforme au rythme des collections qui défilent.
Paf atelier a collaboré avec The Community à l’occasion du lancement de la nouvelle collection SS23 de Carven. Ce travail autour du motif et de la forme de l’étiquette de vente historique, retranscrite sur le sac Calisson de la marque, est le point de départ de ce projet. L’installation principale sur fond vert minimaliste, dispose, comme un musée, un mélange entre des objects historiques de Carven et des objets imprimés en 3D issus d’une recherche autour des produits de la marque, agrandi, simplifié. Cette archive devient une manière de retracer l’histoire de la marque. Celle-ci est enregistrée et diffusée sur la façade de la boutique par l’intermédiaire d’écran, comme des vidéos de surveillance. Chaque îlots dans la boutique est une déclinaison du projet pour présenter les produits de la collection actuelle.
La scénographie est intégralement basée sur la réutilisation de miroirs produits pour un projet précédent et l’agencement de lights et d’objets appartenant à La Machine. Cette composition d’éléments miroirs et d’éléments techniques génère une installation scénique rendue dynamique par les jeux de réflexions des lumières y étant projetées. Le miroir est sélectionné pour ses propriétés et sa matérialité proche de l’univers du tuning et ses réflexions. Les jeux de réflexions avec les miroirs animent tout l’espace. L’utilisation d’éléments techniques assumés et révélés dans l’installation scénique donne des références à l’univers de la technique et de la motorisation. Tels des rétroviseurs.
Après plus d’un an de conception et de production, l’atelier livre pour la première fois des installations pérennes entre scénographie narrative et design d’objet. Sur mesure et produites l’Atelier Blam à Nantes, ces installations sont le résultat de plusieurs mois de recherches, de travail du détail et des finitions d’acier, de polissage, de laquage et d’assemblages. Deux installations voient le jour en ce début février, une jaune et une bleue.
L’atelier collabore avec Soho House pour la création d’objets inédit en gonflable et lumière. Premiers prototypes d’une recherche en cours sur le gonflable, son esthétique et sa longétivité.
Architectures élancées, skylines de grandes villes américaines, danseur.euse.s robotiques, ces objets « vitrines » s’installent à partir du 21 février au coeur de Paris, dans le Marais, ainsi que sur la Rue Royale. Commandes initiées par IRO, l’atelier a dessiné ces objets métalliques vêtus d’inox avec pour objectif de revoir l’identité architecturale de la marque. En piochant dans les codes IRO, l’atelier a conçu plusieurs modules, habillés de néon LED recréant des supports aux vêtements, chaussures et accessoires de la nouvelle collection SS22.
Pour l’événement “le Bon Super Market” organisé par Leboncoin avec Bon esprit, l’atelier transforme la façade du bâtiment en façade de supermarché. Son but est de créer une attraction visuelle qui contraste avec l’environnement urbain. Ainsi, à l’intérieur du bâtiment, des racks ont été empilés selon différentes compositions et des signaux installés pour rappeler l’étendue des rayons de produits dans les supermarchés.
À travers un geste scénographique fort, le festival prend forme autour d’un linéaire de 50m de tôle métallique (divisé en deux murs, dans l’axe du bâtiment du Pavillo, Cambon), d’une scène circulaire de 6m de diamètre, de deux tours (une musicae et une ‘retail’) ainsi que de plusieurs mètres linéaires de praticables disposés en carré et en lignes. Le dispositif est dessiné dans l’idée de reproduire un boulevard animé et de réduire le volume, gommer le sur-dessin du contexte pour rendre lisible le sujet du festival : la danse et ses protagonistes. Grâce à ce projet, l’agence Yard met en avant la street culture et le battle en offrant une programmation pointue sur l’univers de la marque Nike ainsi que de la chaussure.
L’atelier conçoit et produit la scénographie de l’événement et de l’exposition dévoilant le nouveau design des trains de la compagnie Orient Express. Cet événement est l’occasion pour l’atelier de concevoir une scénographie globale composée d’une exposition, de différents éléments de mobilier, d’espaces immersifs et de signalétique. Le contenu de l’exposition est disposé sur des chariots porte panneau industriels ordinaires. Disposés sur des rails parcourant la pièce, ils sont utilisés pour leur essence même, tout en évoquant les wagons de la compagnie. Le même graphisme accompagnant les chariots se retrouve dans toutes les pièces de l’événement, il guide les visiteurs, définit les circulations, les emplacements des éléments scénographiques, les entrées et les sorties. Tous les éléments du projet ont été récupérés, stockés ou donnés.
Après un premier défilé au Palais de Tokyo, l’atelier conçoit en janvier 2022 la scénographie du double défilé du créateur Louis Gabriel Nouchi et de la marque JOEONE. Ce show se déroule le 22 janvier dans le cadre de la PFW. Situé au coeur du Théâtre de Chaillot, les modules miroirs accueillent la déambulation des silhouettes. Le runway disposé en quatre îlots polymoirs reflètent et rendent hommage à la collection. Telle une sortie de soirée, l’évolution graduelle des éléments, de hauts en bas, amène les personnages à un retour à la réalité, progressif.
Reconnu à l’international, Yoann Bourgeois est un artiste interdisciplinaire qui investit les domaines de la danse, du théâtre, de la musique, de l’installation plastique ou encore de l’audiovisuel pour ouvrir de nouveaux espaces de dialogues entre les pratiques artistiques. Face au vide est une installation immersive et expérientielle qui invite le visiteur à s’impliquer physiquement et émotionnellement dans une ascension vertigineuse. Au fil de sa progression dans un étrange escalier qui ne mène nulle part, des questions lui sont posées l’invitant à des réflexions existentielles. Arrivé en haut de son parcours, le visiteur fait face à une prise de risque ultime : un saut dans le vide. Une caméra capte son visage à cet instant critique, juste avant la chute. Cette œuvre n’est pas accessible aux moins de 14 ans, aux femmes enceintes et aux personnes cardiaques.
Dans le cadre du projet d’aménagement de la boutique LGN Louis Gabriel Nouchi, l’atelier a imaginé un archipel d’objets : bureau d’accueil, arbre à maroquinerie et éléments de vitrine. Un rideau blanc suspendu crée le lien entre ces objets. L’espace est re-qualifié par l’intermédiaire de ces objets aux caractères forts et aux matériaux marqués : dégradé, bois brûlé, serrurerie technique. Ces éléments rentrent en écho avec l’identité de la marque et rappelle l’ode à la fumée, emblématique de la direction artistique.
L’atelier a conçu une famille d’installations disposées entre les deux galeries Continua, celle des Moulins et celle de Sainte-Marie. Capables d’abriter une odeur et un récit lié au site et son histoire, ces installations tissent et balisent une promenade empruntée par les visiteurs entre ces deux lieux. Inspirés de balises ordinaires présentent sur le site des galeries et détournés, ces éléments de signalétique deviennent de véritables balises olfactives et historiques. Quatre de ces balises sont composées d’un objet olfactif et d’un récit historique, les six autres ne sont que signalétique sur la promenade. Pour que ces balises deviennent un réel moment de pause sur la promenade, elles sont accompagnées d’un usage. Ces usages se manifestent par des surfaces en bois à différentes hauteurs. Chacun de ces usages est adapté à son site et souligne sa spécificité : une scène pour une clairière, un banc pour un chemin, une table pour un espace dégagé, une toiture pour une zone éclairée. Conçues sur un seul et même système, ces quatre surfaces génèrent un catalogue de formes harmonieuses, contextuelles et cohérentes.
En janvier 2023, Moët & Chandon fête ses 280 ans sur le thème de l’Effervescence. En collaboration avec l’agence Black Lemon, l’atelier conçoit une arche d’entrée, deux grands monolithes noir et un dégradé de volume en miroir pour happer les participants dans le palais Brogniart. Plongé dans le noir, les activations lumineuses et le travail du couloir d’entrée créent une sensation de propulsion dans le lieu. La scène est conçu pour accueillir le show d’Angèle et Gloria Gaynor et un mapping immersif couvre l’entièreté de l’espace. Ce projet a été en étroite collaboration avec Moment Factory.
À l’occasion de la Paris Fashion week, l’atelier collabore une nouvelle fois avec Yard dans un lieu emblématique parisien. L’atelier a conçu et produit une nouvelle scénographie pour la réouverture, l’exposition et le lancement de la collection Maisons Château Rouge x Jordan (deuxième collaboration du nom). À travers l’utilisation d’un élément issu de la construction, connu de tous.tes, nous avons dessiné trois étages aux programmes différents (RDC pour la cafétéria et l’espace de vie, le R+1 pour l’exposition, le R+2 pour les workshops). La scénographie est composée de 9000 briques (de deux types – perforées et pleines), 9 surfaces bleu (cercles, carrés), 200 mètres de cordages et 4 filets réalisés par Ateliers Delacroix. Cette exposition est considéré comme une première phase d’une pré-configuration du lieu, comme un moment de test et de partage autours des prochains usages de ce lieu. L’ensemble des objets utilisés sont réutilisés pour la construction après démontage. L’ancien TATI devient un centre culturel éphémère qui promeut l’interculturalité et plus largement celles des diasporas à travers une programmation pluridisciplinaire et contemporaine. Maison Château Rouge et Jordan inaugure ce nouveau « tiers-lieu » : United Youth International.
À l’occasion du salon Collectible à Bruxelles, l’atelier présente un espace dessiné sur-mesure pour la présentation de plusieurs objets/ prototypes issus d’un travail de design. L’espace est enveloppé de stores orangés permettant de créer un écran rétro-éclairé, comme un fond ou un écrin de couleur pour recevoir la collection d’objets. Imaginés comme un ensemble cohérent, les objets reflètent l’environnement ainsi que les verticales du rideau. Ce procédé suspendu est très souvent utilisé par l’atelier dans ces réalisations. La collection de cinq éléments/objets/prototypes, incarne le souhait de présenter des objets pouvant changer de destinations, d’être déprogrammés et reprogrammés pour une nouvelle fonction. Les quatre éléments sur pied et un luminaire suspendu, conçu exclusivement pour le salon, sont composés de néons LED, boulons et plaques d’inox. Démontables, toutes les parties des objets sont amovibles mais sont contraintes par la question de son équilibre globale : autant physique, qu’esthétique.
À l’occasion du Festival de Printemps, organisé par les magasins Printemps, l’atelier collabore avec Yard pour une scénographie dans l’espace public. Cette scénographie, aux couleurs de la nouvelle identité de Printemps, joue entre structures et gonflables. Imaginés, au départ, comme des éléments fantomatiques sympathiques, ces objets signaux piochent dans l’imaginaire du phare marin ou encore des châteaux d’eau. La scénographie propose différents éléments, créés pour différentes utilisations : les grandes structures permettent de signifier l’entrée du festival située rue Caumartin et rue de Provence, des stands et de simples éléments de signalétique pour présenter les activités, une scène pour accueillir les artistes live. Le vert recouvre l’espace pour créer une unité entre les différents éléments de scénographie et un contraste avec les bâtiments Haussmannien qui les entourent. L’ensemble des installations sont conservées, pensées avec le sens de la démontabilité des objets.
L’atelier conçoit et produit la scénographie de la présentation de collection de la marque LECAVALIER au Palais de Tokyo pendant la Paris Fashion Week pour la deuxième fois. Les mannequins déambulent dans un parcours de bardages artisanalement peints, mêlant codes graphiques de la marque et ruelles sombres, partiellement éclairées, rappelant un parcours dans les ruelles montréalaises. La fumée ajoutée aux éléments urbains et brut évoquent la mysticité de la marque. Les éléments utilisés sont sourcés ou loués dans un but de réduction d’impact environnemental. L’ensemble du projet est stocké.
En janvier 2022, Quartz Co. et WANT Les Essentiels ouvrent les portes d’un showroom éphémère dans le cadre de la Semaine de la mode de Paris, ouvert sur rendez-vous aux acheteurs et professionnels de l’industrie. Situé au 35 rue Debelleyme (75003 Paris, France), l’espace dévoile l’univers de la collection AH22 de Quartz Co. La façade du showroom présente une installation gonflable, inspirée par les codes contemporains de l’hiver canadien, amenant un paysage nordique au cœur de la métropole.
Du soleil éblouissant à l’éclipse totale ou partielle, la structure suspendue conçue par l’atelier pour Itmahrag répond aux danseurs et interprètes qui l’entourent. Le monolithe fait de néons, sous l’impulsion d’un moteur intégré, tourne et révèle un cercle plein noir. Les néons colorés sont flamboyants et rappellent autant la fête que le danger de cette dernière. Tantôt porteuse de symboles lumineux, évocatrice d’une rave psychédélique ou gyrophare alarmant, cette structure brute et technique devient poétique et sensible.
À travers une scénographie composée de figures géométriques simples, découpées dans du tissu blanc écran, l’atelier développe un projet aux multiples facettes pour Variations #6. Enregistrée au Théâtre du Châtêlet, l’émission diffusée ensuite sur CultureBox, Fip Radio et France Télévisions, retranscrit les créations inédites d’Étienne Jaumet & Legowelt, Uèle Lamore & Max Cooper, Francesco Tristano & Rebekah, ainsi qu’Emel et Vitalic. Cette installation a été imaginée pour une captation vidéo et un rendu live à 360°. Suspendue à 7 m de hauteur, la structure est composée d’une cinquantaine de tubes LED. Conçu comme une boîte lumineuse, ce dispositif aux multiples possibilités, permet au réalisateur une grande liberté de création. Répondant aux contraintes d’une salle de spectacle iconique, ce projet s’incarne comme une expression puissante de la démarche de l’atelier et dans son savoir-faire.
Au coeur de Paris, Birkenstock France s’installe dans un nouveau showroom de présentation destiné aux professionnels de la chaussures. L’atelier conçoit, pour réinterpréter l’identité de la marque, des objets scénographiques capable d’accueillir l’ensemble des cibles client. La réponse fait référence à l’authenticité, la tradition et la contemporanéité de la marque, qui se réinvente encore aujourd’hui.
En mai 2021, l’agence Yard demande à Paf Atelier de concevoir la scénographie de la façade du lieu du lancement de la Nike Dunk Lemon en collaboration avec SNS Paris. Ce lieu éphémère est au croisement entre un magasin de sneakers et un point de restauration à emporter, menné par la chefe Gloria Kabe. Le choix des matériaux vise ainsi à retranscrire subtilement ce mélange entre l’univers urbain de la chaussure et celui acidulé du citron. La construction en succession de couche de la façade permet, elle, un jeux de découpes et de matières, laissant apparaître différentes textures comme des échos à la Dunk Lemon. L’entrée circulaire termine le projet avec un geste fort et crée une opposition impactante avec le paysage urbain environnant.
La Paris Fashion Week au Palais de Tokyo est l’occasion pour la marque LECAVALIER de créer une présentation inédite. L’atelier développe un système de grille en mats en aluminium et propose un parcours architecturé aux mannequins. Chaque silhouette déambule dans ce qui prend la forme d’une forêt rythmée par les jeux de lumière et les compostions florales. Les assises en bois brûlé convoque un imaginaire proche de celui de la collection et offre des points d’encrage aux modèles.
Après notre exposition autour du geste d’offrir des fleurs, la marque Jacquemus, accompagnée de l’agence yoann&marco, demande à l’atelier de scénographier et produire un pop-up éphémère “Les Fleurs”. En collaboration directe avec le producteur de renoncules Les Fleurs de Paul, cette action au cœur du 18e arrondissement de Paris, crée un moment de partage et d’échange. Entre fleuristerie et lieu de transformation, l’agencement prend place dans les vitrines comme des fragments colorés. Le dispositif maximise et utilise les objets de la livraison des fleurs : chariots, seaux, bâches et autres outils.
Dans le cadre du show télévisé, Eurovision — France diffusé sur France 2 le 30 janvier 2021, l’atelier a développé la scénographie de la prestation d’Ali - Paris me dit. Imaginé comme un dispositif évolutif, le rideau se déploie et révèle une architecture qui s’érige autour de l’interprète. La typologie de l’arche est utilisée à plusieurs échelles et crée un jeu de perspective sur scène.
Dans le cadre du salon OMNIVORE à Paris, la maison Ruinart a commissionné l’atelier pour concevoir et produire un pavillon éphémère pour la présentation des paniers Ruinart. Ce projet est entièrement montable et démontage en moins d’une heure, développe une emprise minimale et se réutilise entièrement. Créant un espace clos semi-ouvert, la structure montre et cache le contenu. Cette structure et ces deux mobiliers s’incarnent très simplement comme une suite logique à l’identité des Paniers Ruinart.
L’installation s’inspire formellement de l’univers astronomique, des usines de captation du soleil et des astres.
Générée par une accumulation de miroirs, l’installation illustre un déploiement technique, géométrique, contrôlé.
Ces miroirs créent des jeux optiques qui reflètent le public, les jeux de lumière et l’artiste. La scène devient un outil identitaire et un signal totémique sur le festival.
L’installation s’inspire formellement du bâtiment des Étincelles de Patrick Bouchain. Elle prend place dans l’accueil et le couloir du bâtiment, et utilise les principes architecturaux en place : la hauteur sous verrière, la lumière naturelle et la structure. L’installation lumineuse est générée par une accumulation de néons qui s’enchevêtrent pour illustrer un paysage scintillant. Cette intégration crée des jeux optiques qui suscitent l’intérêt du public et des scolaires, et devient un outil identitaire et un signal dans tout le bâtiment. Des boîtes lumineuses viennent elles indiquer les salles de médiations. Ces deux langages cohabitent et s’articulent alors ensemble, permettant de créer un lien visuel mais aussi un environnement lumineux cohérent. Entre technique et artistique, ce projet intègre une connaissance approfondie de la lumière LED. Les néons LED avec un spectre RVB large, permettent de créer des ambiances lumineuses sur-mesure, selon les différentes thématiques du Palais de la Découverte.
En accompagnement de la Bourse du Curateur d’Agora du design décernée à Christopher Dessus, l’atelier a dessiné et produit l’exposition Offrir des Fleurs au Pavillon de l’Arsenal (ouverture juin 2021).
L’idée du projet est de comprendre les nouveaux enjeux d’une exposition de design. Préfigurée par un appel à témoignages et complétée par la création d’un média culturel, l’exposition Offrir des Fleurs compile et compose avec un contenu sensible. À la fois informative sur le contexte floricole et générative de réactions de visiteurs, l’exposition récolte une série d’informations immatérielles liées à son sujet. Organisée en îlots indépendants, chaque “tables” permettent de visualiser les principaux sujets de la recherche. Celles-ci prennent la forme d’objets manufacturés, inspirés des fournitures que le fleuriste utilise au quotidien. Les pleins et les creux permettent de composer et organiser le contenu et rend intelligible le propos.
La Compagnie Sohrâb Chitan réinterprète le conte de la Belle au Bois Dormant. Poétique, maléfique, ce conte a traversé les époques et a trouvé de multiples représentations. Ce projet se développe comme une série de trois tableaux représentants les trois moments forts de la vie d’Aurore à travers ce ballet. Elle traverse des états de pensées, des rêveries, des extrêmes. La scénographie est un travail d’écran de rideaux découpés en arches, créant de nouvelles compositions différentes. En raison de la pandémie, cette production n’a pu être réalisé.
L’atelier s’interroge et détourne la fonction première de ce lieu désacraliser pour en créer un espace d’exposition et un lieu d’échange autour d’un sujet universel: la nativité. Le projet que nous proposons se porte sur un aménagement intérieur, colorimétrique et plastique « de chair et de sang » ne détériorant pas le bâtiment existant, tout en créant une expérience singulière. Le principe est simple, il se porte sur la création de plusieurs volumes. Un socle illustre chaque sous-partie de la thématique et est complété par un travail de signalétique en lumière néon.
Dans le cadre du lancement du sixième numéro de Pli - Minimal & maximal, l’atelier a conçu une scénographie dans l’espace galerie du Floréal Belleville à Paris. À l’intérieur comme à l’extérieur, l’espace scénographique de cette micro-galerie est traité comme un ensemble. Cette installation est à la mesure de la thématique, et de sa dualité. La vitrine s’utilise comme une surface de composition graphique et donne à la rue une expression complète de la thématique : maximale. À l’intérieur, l’utilisation des revues elles-mêmes comme support de présentation exprime l’idée d’un dispositif minimal, sans objets rapportés ou produits pour l’occasion.
La scénographie de ce pop–up shop coréen cherche à questionner le processus de fabrication de l’objet. Le projet se lit au travers de trois matériaux d’origine industrielle exprimant trois instants de la création. Le sol est recouvert de graviers, les présentoirs sont réalisés en BA13 et l’enveloppe en papier bulle. La forme même des objets créés évoque l’avancement, un espace évolutif pour une exposition éphémère.
En tête de proue d’une équipe pluridisciplinaire (architectes, designers et designers graphiques), l’atelier a co-produit la première édition du Pli Public Workshop au Pavillon de l’Arsenal, Paris. Créé par l’association Pli Éditions en 2019, ce dernier est un programme d’aide à la création destiné à la nouvelle génération d’architectes et de designers.
Sur une durée de plusieurs mois, l’atelier a suivi la production des onze installations des lauréats du programme, tout en produisant l’exposition et en donnant vie à la scénographie pensée par Adrien Rovero Studio. En envisageant la muséographie comme outil de médiation, l’atelier s’attache à interroger les codes de monstration mis en place dans une exposition. Le PPW a été rendu possible grâce à une synthèse efficace et inédite de différents corps de métier, qui est emblématique du processus de travail instauré par l’atelier dans chacun de ses projets.
L’atelier a coproduit la première exposition du Pli Public Workshop, présentée de novembre 2019 à janvier 2020 au Pavillon de l’Arsenal à Paris. Destiné à la recherche et à la production d’un projet, ce programme d’aide à la création met en place un accompagnement par des professionnels du secteur de l’architecture, de l’art et du design.
Pendant plusieurs mois, l’atelier a accompagné la conception et la production des œuvres des lauréats, réunit dans une exposition collective afin de penser créer et expérimenter autour du thème de l’Obsession. Prototypes ou objets finis, vidéos ou maquettes, installations immersives ou micro-architectures, ces productions inédites cristallisent des manières de réfléchir et de faire, des processus de création et autant de positionnements qui interrogent de manière concrète l’architecture et le design. Ce projet témoigne de l’importance qu’accorde l’atelier à soutenir et encourager la jeune création contemporaine.
Yanis est un chanteur de la scène Queer parisienne. Après un premier album, il revient avec de nouvelles propositions artistiques et performatives que nous avons mises en scène. Conçu pour un show sur-mesure à l’espace Mains d’Œuvres (Saint-Ouen), cette scénographie se compose de plusieurs écrans imprimés, d’objets (escalier), plateformes et dispositifs sonores et lumineux. Ce show a permis de collaborer avec des éclairagistes, des techniciens du son, des danseurs, des performeurs. Produit à guichet fermé, ce projet collaboratif a donné lieu à une extension lors de la première de Hyphen Hyphen au Zénith – la Villette à Paris.
Aimko paris (creative agency) a commissionné l’atelier et Ubalt Architectes pour concevoir la présentation des nouvelles collections Adidas SS19 dans un lieu éphémère de 2 500 m². Les dispositifs proposés ont été réalisés à partir d’éléments issus du domaine de la construction, assemblés et détournés de leur usage premier. Ils deviennent assises, présentoirs, cloisons, supports divers. Le lieu a été ouvert par invitation aux professionnels acheteurs et influenceurs du milieu de la sneaker et du sportswear pendant deux semaines lors de la Paris Fashion Week 2018.
Le festival de musique We Love Green rend possible une expression a grande échelle par l’installation éphémère. Ce dispositif a été conçu comme une opportunité d’interagir avec les publics, de leur proposer un dialogue inédit avec l’objet. Transportables et adaptables à la plaine du festival, ces objets colorés sont franchissables : leurs propriétés matérielles (gonflables, translucides, etc.) n’en font pas des obstacles. L’idée est de créer un évènement au sein du festival par l’installation d’un village de formes, telles des folies in situ venant marquer une pause dans la déambulation des festivaliers. Ce projet est resté à l’état d’esquisse.
Pour la 4ème Biennale du Réseau des Maisons de l’Architecture, l’atelier a été invité à mener le commissariat général et le curating de l’exposition Pari ayant lieu au DOC ! à Paris. Jouant sur les codes et les diverses interprétations des engagements des designers et architectes, le propos s’est articulé autour de deux espaces : celui de l’ancienne piscine et celui de l’ancien réfectoire. Dans une scénographie imaginée par Peaks Architectes, l’atelier a introduit une co-présence d’objets importés et d’objets/installations spécialement montés pour l’occasion.
En réponse à l’appel du Frac Paca à concevoir des modules d’expositions itinérants, nous avons proposé une collection de mobiliers modulables et ajustables. Cette collection de mobilier fait face à une problématique de mobilité et d’adaptabilité aux œuvres exposées. À l’aide de plaques métalliques et de tablettes modulables, nous avons imaginé un système permettant d’adapter complètement la structure aux œuvres. Cette solution permet de recréer des salles, des murs et des plafonds pour accueillir et permettre différents systèmes de présentation et d’accrochage. Ce projet est resté à l’état d’esquisse.
Intégré directement dans l’équipe de production de la villa Noailles (Hyères), l’atelier a dessiné, produit et suivi le montage de l’exposition de la maison Schiaparelli (présidence du jury mode 2017). Dans la piscine de la villa, nous avons décidé de récréer, de jour comme de nuit, une activité aquatique. Nous avons présenté une collection historique de la maison de haute couture, avec une pièce centrale aérienne. Au cœur du 32e Festival International de Mode et de Photographie de Hyères, l’exposition a été vue par 11 000 visiteurs.
Organisée à l’occasion de la publication du quatrième numéro de la revue Pli, cette exposition a pris place dans la galerie du célèbre magazine Étapes:. Mettant de côté cette fois-ci le processus de création, l’exposition se tourne vers les objets premiers : les matières premières. L’atelier a présenté la genèse de la production de 10 artistes, architectes, designers et graphistes. Avec Atelier Irradié, la Bibliothèque Kandinsky, Fanette Mellier, Léo Grunstein et Camille Berger (Studio Philippe Apeloig), Les Graphiquants, matali crasset, Philippe Rahm, Pierre Antoine, Samy Rio et Spassky Fischer.
Co-signée par le Collectif Blanc et Pli Éditions, cette exposition a pris place dans un lieu atypique : un studio de danse contemporaine à Montréal. Cette production a réuni des artistes de Paris et de Montréal. En détournant et en requestionnant les principes d’exposition des œuvres graphiques et éditoriales, la scénographie résolument immersive a permis aux visiteurs un accès libre aux œuvres. En parallèle de la sortie de la revue Pli et d’une présentation au Centre Canadien d’Architecture de Montréal, l’événement sur quatre jours a été accompagné de performances (artistes, danseurs, etc.) et d’une librairie (Centre Canadien d’Architecture).
L’exposition s’engage à rendre tangible l’envers inaccessible de la production d’une édition. Sous Pli inspecte les coulisses de la production physique et conceptuelle; espace mitoyen d’erreurs et de réussites. Articulé en lettres (le temps) et en chiffre (les échanges), 120 compositions et discussions ont été présentés. À travers un plan extrudé de 3 mètres vers le haut, l’accumulation de papier suspendu produit une architecture pénétrable et accessible.
