Présentation d’une collection d’objets pour le salon Collectible du 20 au 20 mai 2022, Vanderborght Building, Bruxelles. 🤍
Scénographie pour l’artiste / chorégraphe Yoann Bourgeois pour son nouveau dispositif scénique, visible à partir de septembre 2022 🚧
Scénographie dans l’espace public pour le lancement de la nouvelle identité de Printemps du 19 et 20 mars rue de Caumartin et rue de Provence. 💚
À l’occasion du salon Collectible à Bruxelles, l’atelier présente un espace dessiné sur-mesure pour la présentation de plusieurs objets/ prototypes issus d’un travail de design. L’espace est enveloppé de stores orangés permettant de créer un écran rétro-éclairé, comme un fond ou un écrin de couleur pour recevoir la collection d’objets. Imaginés comme un ensemble cohérent, les objets reflètent l’environnement ainsi que les verticales du rideau. Ce procédé suspendu est très souvent utilisé par l’atelier dans ces réalisations. La collection de cinq éléments/objets/prototypes, incarne le souhait de présenter des objets pouvant changer de destinations, d’être déprogrammés et reprogrammés pour une nouvelle fonction. Les quatre éléments sur pied et un luminaire suspendu, conçu exclusivement pour le salon, sont composés de néons LED, boulons et plaques d’inox. Démontables, toutes les parties des objets sont amovibles mais sont contraintes par la question de son équilibre globale : autant physique, qu’esthétique.
À l’occasion du Festival de Printemps, organisé par les magasins Printemps, l’atelier collabore avec Yard pour une scénographie dans l’espace public. Cette scénographie, aux couleurs de la nouvelle identité de Printemps, joue entre structures et gonflables. Imaginés, au départ, comme des éléments fantomatiques sympathiques, ces objets signaux piochent dans l’imaginaire du phare marin ou encore des châteaux d’eau. La scénographie propose différents éléments, créés pour différentes utilisations : les grandes structures permettent de signifier l’entrée du festival située rue Caumartin et rue de Provence, des stands et de simples éléments de signalétique pour présenter les activités, une scène pour accueillir les artistes live. Le vert recouvre l’espace pour créer une unité entre les différents éléments de scénographie et un contraste avec les bâtiments Haussmannien qui les entourent. L’ensemble des installations sont conservées, pensées avec le sens de la démontabilité des objets.
L’atelier conçoit et produit la scénographie de la présentation de collection de la marque LECAVALIER au Palais de Tokyo pendant la Paris Fashion Week pour la deuxième fois. Les mannequins déambulent dans un parcours de bardages artisanalement peints, mêlant codes graphiques de la marque et ruelles sombres, partiellement éclairées, rappelant un parcours dans les ruelles montréalaises. La fumée ajoutée aux éléments urbains et brut évoquent la mysticité de la marque. Les éléments utilisés sont sourcés ou loués dans un but de réduction d’impact environnemental. L’ensemble du projet est stocké.
Du soleil éblouissant à l’éclipse totale ou partielle, la structure suspendue conçue par l’atelier pour Itmahrag répond aux danseurs et interprètes qui l’entourent. Le monolithe fait de néons, sous l’impulsion d’un moteur intégré, tourne et révèle un cercle plein noir. Les néons colorés sont flamboyants et rappellent autant la fête que le danger de cette dernière. Tantôt porteuse de symboles lumineux, évocatrice d’une rave psychédélique ou gyrophare alarmant, cette structure brute et technique devient poétique et sensible.
Au coeur de Paris, Birkenstock France s’installe dans un nouveau showroom de présentation destiné aux professionnels de la chaussures. L’atelier conçoit, pour réinterpréter l’identité de la marque, des objets scénographiques capable d’accueillir l’ensemble des cibles client. La réponse fait référence à l’authenticité, la tradition et la contemporanéité de la marque, qui se réinvente encore aujourd’hui.
Après un premier défilé au Palais de Tokyo, l’atelier conçoit en janvier 2022 la scénographie du double défilé du créateur Louis Gabriel Nouchi et de la marque JOEONE. Ce show se déroule le 22 janvier dans le cadre de la PFW. Situé au coeur du Théâtre de Chaillot, les modules miroirs accueillent la déambulation des silhouettes. Le runway disposé en quatre îlots polymoirs reflètent et rendent hommage à la collection. Telle une sortie de soirée, l’évolution graduelle des éléments, de hauts en bas, amène les personnages à un retour à la réalité, progressif.
En janvier 2022, Quartz Co. et WANT Les Essentiels ouvrent les portes d’un showroom éphémère dans le cadre de la Semaine de la mode de Paris, ouvert sur rendez-vous aux acheteurs et professionnels de l’industrie. Situé au 35 rue Debelleyme (75003 Paris, France), l’espace dévoile l’univers de la collection AH22 de Quartz Co. La façade du showroom présente une installation gonflable, inspirée par les codes contemporains de l’hiver canadien, amenant un paysage nordique au cœur de la métropole.
À travers une scénographie composée de figures géométriques simples, découpées dans du tissu blanc écran, l’atelier développe un projet aux multiples facettes pour Variations #6. Enregistrée au Théâtre du Châtêlet, l’émission diffusée ensuite sur CultureBox, Fip Radio et France Télévisions, retranscrit les créations inédites d’Étienne Jaumet & Legowelt, Uèle Lamore & Max Cooper, Francesco Tristano & Rebekah, ainsi qu’Emel et Vitalic. Cette installation a été imaginée pour une captation vidéo et un rendu live à 360°. Suspendue à 7 m de hauteur, la structure est composée d’une cinquantaine de tubes LED. Conçu comme une boîte lumineuse, ce dispositif aux multiples possibilités, permet au réalisateur une grande liberté de création. Répondant aux contraintes d’une salle de spectacle iconique, ce projet s’incarne comme une expression puissante de la démarche de l’atelier et dans son savoir-faire.
En novembre 2021, l’agence Yard demande à Paf atelier de concevoir la scénographie de l’événement « Engage your Mbappé Mode » à l’occasion de la sortie de la collection du footballeur. L’idée est de proposer une expérience interactive destinée à des enfants. Implanté dans les bureaux de la Nike House of Innovation, l’installation est au croisement d’un playground et d’un lieu de travail. L’intervention prend la forme d’un module unique en structure métallique où vient s’insérer un gonflable. Ce mélange entre technique industrielle et ludisme formel permet de répondre à la problématique principale : la sécurité des enfants. Par la modularité des structures, les différents jeux se dessinent en déclinant le principe et créent ainsi des murs, des îlots et du mobilier. La lumière quant à elle permet de souligner l’aspect technique des jeux, et développe au travers d’une infinité de variations un langage dynamique et puissant.
En mai 2021, Paf atelier conçoit la scénographie de la scène du double défilé du créateur Louis Gabriel Nouchi et de la marque JOEONE. Ce show se déroule le 24 juin dans le cadre de la FWP. Située sur le parvis du Palais de Tokyo la scène éphémère prend place sur le grand bassin. Le run-way central mène à une plateforme rectangulaire polymiroir. Cette sobriété et minimalisme répond à l’élégance des vêtements présentés. La réflexion du matériau choisi dédouble les mannequins et offre une scénographie plus complexe qui place toujours le vêtement au centre de la composition. Enfin, perpétuellement en mouvement grâce aux miroirs, la scène se transforme au rythme des collections qui défilent.
En mai 2021, l’agence Yard demande à Paf Atelier de concevoir la scénographie de la façade du lieu du lancement de la Nike Dunk Lemon en collaboration avec SNS Paris. Ce lieu éphémère est au croisement entre un magasin de sneakers et un point de restauration à emporter, menné par la chefe Gloria Kabe. Le choix des matériaux vise ainsi à retranscrire subtilement ce mélange entre l’univers urbain de la chaussure et celui acidulé du citron. La construction en succession de couche de la façade permet, elle, un jeux de découpes et de matières, laissant apparaître différentes textures comme des échos à la Dunk Lemon. L’entrée circulaire termine le projet avec un geste fort et crée une opposition impactante avec le paysage urbain environnant.
La Paris Fashion Week au Palais de Tokyo est l’occasion pour la marque LECAVALIER de créer une présentation inédite. L’atelier développe un système de grille en mats en aluminium et propose un parcours architecturé aux mannequins. Chaque silhouette déambule dans ce qui prend la forme d’une forêt rythmée par les jeux de lumière et les compostions florales. Les assises en bois brûlé convoque un imaginaire proche de celui de la collection et offre des points d’encrage aux modèles.
Après notre exposition autour du geste d’offrir des fleurs, la marque Jacquemus, accompagnée de l’agence yoann&marco, demande à l’atelier de scénographier et produire un pop-up éphémère “Les Fleurs”. En collaboration directe avec le producteur de renoncules Les Fleurs de Paul, cette action au cœur du 18e arrondissement de Paris, crée un moment de partage et d’échange. Entre fleuristerie et lieu de transformation, l’agencement prend place dans les vitrines comme des fragments colorés. Le dispositif maximise et utilise les objets de la livraison des fleurs : chariots, seaux, bâches et autres outils.
Dans le cadre du projet d’aménagement de la boutique LGN Louis Gabriel Nouchi, l’atelier a imaginé un archipel d’objets : bureau d’accueil, arbre à maroquinerie et éléments de vitrine. Un rideau blanc suspendu crée le lien entre ces objets. L’espace est re-qualifié par l’intermédiaire de ces objets aux caractères forts et aux matériaux marqués : dégradé, bois brûlé, serrurerie technique. Ces éléments rentrent en écho avec l’identité de la marque et rappelle l’ode à la fumée, emblématique de la direction artistique.
Dans le cadre du show télévisé, Eurovision — France diffusé sur France 2 le 30 janvier 2021, l’atelier a développé la scénographie de la prestation d’Ali - Paris me dit. Imaginé comme un dispositif évolutif, le rideau se déploie et révèle une architecture qui s’érige autour de l’interprète. La typologie de l’arche est utilisée à plusieurs échelles et crée un jeu de perspective sur scène.
Dans le cadre du salon OMNIVORE à Paris, la maison Ruinart a commissionné l’atelier pour concevoir et produire un pavillon éphémère pour la présentation des paniers Ruinart. Ce projet est entièrement montable et démontage en moins d’une heure, développe une emprise minimale et se réutilise entièrement. Créant un espace clos semi-ouvert, la structure montre et cache le contenu. Cette structure et ces deux mobiliers s’incarnent très simplement comme une suite logique à l’identité des Paniers Ruinart.
L’installation s’inspire formellement de l’univers astronomique, des usines de captation du soleil et des astres.
Générée par une accumulation de miroirs, l’installation illustre un déploiement technique, géométrique, contrôlé.
Ces miroirs créent des jeux optiques qui reflètent le public, les jeux de lumière et l’artiste. La scène devient un outil identitaire et un signal totémique sur le festival.
L’installation s’inspire formellement du bâtiment des Étincelles de Patrick Bouchain. Elle prend place dans l’accueil et le couloir du bâtiment, et utilise les principes architecturaux en place : la hauteur sous verrière, la lumière naturelle et la structure. L’installation lumineuse est générée par une accumulation de néons qui s’enchevêtrent pour illustrer un paysage scintillant. Cette intégration crée des jeux optiques qui suscitent l’intérêt du public et des scolaires, et devient un outil identitaire et un signal dans tout le bâtiment. Des boîtes lumineuses viennent elles indiquer les salles de médiations. Ces deux langages cohabitent et s’articulent alors ensemble, permettant de créer un lien visuel mais aussi un environnement lumineux cohérent. Entre technique et artistique, ce projet intègre une connaissance approfondie de la lumière LED. Les néons LED avec un spectre RVB large, permettent de créer des ambiances lumineuses sur-mesure, selon les différentes thématiques du Palais de la Découverte.
En accompagnement de la Bourse du Curateur d’Agora du design décernée à Christopher Dessus, l’atelier a dessiné et produit l’exposition Offrir des Fleurs au Pavillon de l’Arsenal (ouverture juin 2021).
L’idée du projet est de comprendre les nouveaux enjeux d’une exposition de design. Préfigurée par un appel à témoignages et complétée par la création d’un média culturel, l’exposition Offrir des Fleurs compile et compose avec un contenu sensible. À la fois informative sur le contexte floricole et générative de réactions de visiteurs, l’exposition récolte une série d’informations immatérielles liées à son sujet. Organisée en îlots indépendants, chaque “tables” permettent de visualiser les principaux sujets de la recherche. Celles-ci prennent la forme d’objets manufacturés, inspirés des fournitures que le fleuriste utilise au quotidien. Les pleins et les creux permettent de composer et organiser le contenu et rend intelligible le propos.
La Compagnie Sohrâb Chitan réinterprète le conte de la Belle au Bois Dormant. Poétique, maléfique, ce conte a traversé les époques et a trouvé de multiples représentations. Ce projet se développe comme une série de trois tableaux représentants les trois moments forts de la vie d’Aurore à travers ce ballet. Elle traverse des états de pensées, des rêveries, des extrêmes. La scénographie est un travail d’écran de rideaux découpés en arches, créant de nouvelles compositions différentes. En raison de la pandémie, cette production n’a pu être réalisé.
L’atelier s’interroge et détourne la fonction première de ce lieu désacraliser pour en créer un espace d’exposition et un lieu d’échange autour d’un sujet universel: la nativité. Le projet que nous proposons se porte sur un aménagement intérieur, colorimétrique et plastique « de chair et de sang » ne détériorant pas le bâtiment existant, tout en créant une expérience singulière. Le principe est simple, il se porte sur la création de plusieurs volumes. Un socle illustre chaque sous-partie de la thématique et est complété par un travail de signalétique en lumière néon.
Dans le cadre du lancement du sixième numéro de Pli - Minimal & maximal, l’atelier a conçu une scénographie dans l’espace galerie du Floréal Belleville à Paris. À l’intérieur comme à l’extérieur, l’espace scénographique de cette micro-galerie est traité comme un ensemble. Cette installation est à la mesure de la thématique, et de sa dualité. La vitrine s’utilise comme une surface de composition graphique et donne à la rue une expression complète de la thématique : maximale. À l’intérieur, l’utilisation des revues elles-mêmes comme support de présentation exprime l’idée d’un dispositif minimal, sans objets rapportés ou produits pour l’occasion.
La scénographie de ce pop–up shop coréen cherche à questionner le processus de fabrication de l’objet. Le projet se lit au travers de trois matériaux d’origine industrielle exprimant trois instants de la création. Le sol est recouvert de graviers, les présentoirs sont réalisés en BA13 et l’enveloppe en papier bulle. La forme même des objets créés évoque l’avancement, un espace évolutif pour une exposition éphémère.
En tête de proue d’une équipe pluridisciplinaire (architectes, designers et designers graphiques), l’atelier a co-produit la première édition du Pli Public Workshop au Pavillon de l’Arsenal, Paris. Créé par l’association Pli Éditions en 2019, ce dernier est un programme d’aide à la création destiné à la nouvelle génération d’architectes et de designers.
Sur une durée de plusieurs mois, l’atelier a suivi la production des onze installations des lauréats du programme, tout en produisant l’exposition et en donnant vie à la scénographie pensée par Adrien Rovero Studio. En envisageant la muséographie comme outil de médiation, l’atelier s’attache à interroger les codes de monstration mis en place dans une exposition. Le PPW a été rendu possible grâce à une synthèse efficace et inédite de différents corps de métier, qui est emblématique du processus de travail instauré par l’atelier dans chacun de ses projets.
L’atelier a coproduit la première exposition du Pli Public Workshop, présentée de novembre 2019 à janvier 2020 au Pavillon de l’Arsenal à Paris. Destiné à la recherche et à la production d’un projet, ce programme d’aide à la création met en place un accompagnement par des professionnels du secteur de l’architecture, de l’art et du design.
Pendant plusieurs mois, l’atelier a accompagné la conception et la production des œuvres des lauréats, réunit dans une exposition collective afin de penser créer et expérimenter autour du thème de l’Obsession. Prototypes ou objets finis, vidéos ou maquettes, installations immersives ou micro-architectures, ces productions inédites cristallisent des manières de réfléchir et de faire, des processus de création et autant de positionnements qui interrogent de manière concrète l’architecture et le design. Ce projet témoigne de l’importance qu’accorde l’atelier à soutenir et encourager la jeune création contemporaine.
Yanis est un chanteur de la scène Queer parisienne. Après un premier album, il revient avec de nouvelles propositions artistiques et performatives que nous avons mises en scène. Conçu pour un show sur-mesure à l’espace Mains d’Œuvres (Saint-Ouen), cette scénographie se compose de plusieurs écrans imprimés, d’objets (escalier), plateformes et dispositifs sonores et lumineux. Ce show a permis de collaborer avec des éclairagistes, des techniciens du son, des danseurs, des performeurs. Produit à guichet fermé, ce projet collaboratif a donné lieu à une extension lors de la première de Hyphen Hyphen au Zénith – la Villette à Paris.
Aimko paris (creative agency) a commissionné l’atelier et Ubalt Architectes pour concevoir la présentation des nouvelles collections Adidas SS19 dans un lieu éphémère de 2 500 m². Les dispositifs proposés ont été réalisés à partir d’éléments issus du domaine de la construction, assemblés et détournés de leur usage premier. Ils deviennent assises, présentoirs, cloisons, supports divers. Le lieu a été ouvert par invitation aux professionnels acheteurs et influenceurs du milieu de la sneaker et du sportswear pendant deux semaines lors de la Paris Fashion Week 2018.
Le festival de musique We Love Green rend possible une expression a grande échelle par l’installation éphémère. Ce dispositif a été conçu comme une opportunité d’interagir avec les publics, de leur proposer un dialogue inédit avec l’objet. Transportables et adaptables à la plaine du festival, ces objets colorés sont franchissables : leurs propriétés matérielles (gonflables, translucides, etc.) n’en font pas des obstacles. L’idée est de créer un évènement au sein du festival par l’installation d’un village de formes, telles des folies in situ venant marquer une pause dans la déambulation des festivaliers. Ce projet est resté à l’état d’esquisse.
Pour la 4ème Biennale du Réseau des Maisons de l’Architecture, l’atelier a été invité à mener le commissariat général et le curating de l’exposition Pari ayant lieu au DOC ! à Paris. Jouant sur les codes et les diverses interprétations des engagements des designers et architectes, le propos s’est articulé autour de deux espaces : celui de l’ancienne piscine et celui de l’ancien réfectoire. Dans une scénographie imaginée par Peaks Architectes, l’atelier a introduit une co-présence d’objets importés et d’objets/installations spécialement montés pour l’occasion.
En réponse à l’appel du Frac Paca à concevoir des modules d’expositions itinérants, nous avons proposé une collection de mobiliers modulables et ajustables. Cette collection de mobilier fait face à une problématique de mobilité et d’adaptabilité aux œuvres exposées. À l’aide de plaques métalliques et de tablettes modulables, nous avons imaginé un système permettant d’adapter complètement la structure aux œuvres. Cette solution permet de recréer des salles, des murs et des plafonds pour accueillir et permettre différents systèmes de présentation et d’accrochage. Ce projet est resté à l’état d’esquisse.
Intégré directement dans l’équipe de production de la villa Noailles (Hyères), l’atelier a dessiné, produit et suivi le montage de l’exposition de la maison Schiaparelli (présidence du jury mode 2017). Dans la piscine de la villa, nous avons décidé de récréer, de jour comme de nuit, une activité aquatique. Nous avons présenté une collection historique de la maison de haute couture, avec une pièce centrale aérienne. Au cœur du 32e Festival International de Mode et de Photographie de Hyères, l’exposition a été vue par 11 000 visiteurs.
Organisée à l’occasion de la publication du quatrième numéro de la revue Pli, cette exposition a pris place dans la galerie du célèbre magazine Étapes:. Mettant de côté cette fois-ci le processus de création, l’exposition se tourne vers les objets premiers : les matières premières. L’atelier a présenté la genèse de la production de 10 artistes, architectes, designers et graphistes. Avec Atelier Irradié, la Bibliothèque Kandinsky, Fanette Mellier, Léo Grunstein et Camille Berger (Studio Philippe Apeloig), Les Graphiquants, matali crasset, Philippe Rahm, Pierre Antoine, Samy Rio et Spassky Fischer.
Co-signée par le Collectif Blanc et Pli Éditions, cette exposition a pris place dans un lieu atypique : un studio de danse contemporaine à Montréal. Cette production a réuni des artistes de Paris et de Montréal. En détournant et en requestionnant les principes d’exposition des œuvres graphiques et éditoriales, la scénographie résolument immersive a permis aux visiteurs un accès libre aux œuvres. En parallèle de la sortie de la revue Pli et d’une présentation au Centre Canadien d’Architecture de Montréal, l’événement sur quatre jours a été accompagné de performances (artistes, danseurs, etc.) et d’une librairie (Centre Canadien d’Architecture).
L’exposition s’engage à rendre tangible l’envers inaccessible de la production d’une édition. Sous Pli inspecte les coulisses de la production physique et conceptuelle; espace mitoyen d’erreurs et de réussites. Articulé en lettres (le temps) et en chiffre (les échanges), 120 compositions et discussions ont été présentés. À travers un plan extrudé de 3 mètres vers le haut, l’accumulation de papier suspendu produit une architecture pénétrable et accessible.
